La próxima exposición de las obras de la famosa fotógrafa Isabelle Reed, fallecida inesperadamente hace tres años, obliga a Jonah, su hijo mayor, a volver a la casa familiar y a pasar tiempo con su padre, Gene, y su introvertido hermano pequeño, Conrad, después de algunos años. Aprovechando que están juntos, Gene intenta desesperadamente reconectar con sus hijos, mientras los tres se esfuerzan en reconciliarse con lo que sienten por la mujer a la que cada uno recuerda de forma diferente.
JOACHIM TRIER (Director) es un realizador y guionista noruego nacido en Copenhague, Dinamarca, en 1974. Es hijo del técnico de sonido Jacob Trier y su abuelo era el cineasta noruego Erik Løchen. Su madre también dirigió varios cortometrajes. Es pariente del realizador Lars von Trier. Estudió en la National Film and Television School de Londres, donde tuvo de profesores a Stephen Frears y a Mike Leigh.
Sus dos primeros largometrajes, REPRISE (2006) y OSLO, 31 DE AGOSTO (2011), ambos coescritos con Eskil Vogt (BLIND), fueron aclamados internacionalmente y obtuvieron premios en importantes festivales. REPRISE fue nominada a Mejor Película en los Premios del Cine Europeo; ganó el Amanda (el equivalente al Goya noruego) a la Mejor Película, al Mejor Director y al Mejor Guion, así como el Premio a la Mejor Película en el Festival de Estambul y al Mejor Director en Karlovy Vary, entre otros. OSLO, 31 DE AGOSTO ganó el Amanda a la Mejor Dirección y al Mejor Intérprete Masculino (Olivier Bugge Coutté), además de ser nominada a otros cuatro, y participó en la sección “Una cierta mirada” del Festival de Cannes.
Fue incluido en la lista de “20 realizadores a tener en cuenta” del New York Times en 2013.
EL AMOR ES MÁS FUERTE QUE LAS BOMBAS compitió en el Festival de Cannes 2015.
Háblenos del título, ¿qué le hizo escogerlo? ¿Tiene algo que ver con la guerra?
Buscamos un título que reflejara el significado de los pequeños y tiernos dolores cotidianos de la vida familiar comparados a las grandes experiencias y ambiciones de una madre que siempre está fuera porque es corresponsal de guerra. Me intriga que el dolor no sea comparable. También es el título del primer álbum estadounidense del grupo The Smiths, un disco recopilatorio. Pero descubrí que ellos lo habían sacado de un libro de la poetisa Elizabeth Smart, By Grand Central Station I Sat Down and Wept (En Grand Central Station me senté y lloré). Me gustó que la frase tuviera una resonancia tan americana, ya que la película transcurre en Estados Unidos.
¿Cómo nació el proyecto?
Después de mi primera película, REPRISE, varios productores estadounidenses me mandaron guiones y me hicieron ofertas. Conocí a gente muy interesante, pero ningún proyecto acababa de encajar con lo que quería expresar. Sin embargo, el guionista Eskil Vogt y yo teníamos muchas ideas, y me pareció más natural empezar desde cero en vez de aceptar un guion. Debe tener en cuenta que solo unos cinco millones de personas hablan mi idioma materno. Es una de las razones por las que fui a estudiar cine a Londres, donde rodé tres premiados cortometrajes. Eskil y yo siempre hemos querido hacer películas para un público internacional, y fue muy gratificante el recibimiento a REPRISE y a OSLO, 31 DE AGOSTO en diversos países. Y lo mejor fue descubrir que su especificidad cultural convertía a las películas en universales. Con esta experiencia, nos documentamos a fondo sobre los ambientes y los personajes estadounidenses antes de lanzarnos a escribir EL AMOR ES MÁS FUERTE QUE LAS BOMBAS. Sinceramente, creo que el idioma hablado no define a un cineasta, sino el lenguaje y el estilo cinematográfico que crea. Además, una película en inglés nos ofrecía la oportunidad de trabajar con geniales actores internacionales, algo que deseaba hacer desde hacía tiempo. Siempre me gustó el cine y crecí viendo películas de todos los países. Una tarde cualquiera en la filmoteca de Oslo podía ver una película francesa de Louis Malle seguida por una japonesa de Ozu para acabar con una estadounidense de Sidney Lumet. Siempre he pensado que el cine debe trascender las barreras idiomáticas.
¿Estaba familiarizado con los rodajes estadounidenses? Háblenos de su experiencia americana.
Rodar en Nueva York significa trabajar con un equipo mucho mayor del que estaba acostumbrado en Noruega. Una de las responsabilidades de un director es crear cierto ambiente alrededor de la cámara que encaje con la historia y los actores, por lo que me comporté exactamente como en cualquier otra producción. Pude ensayar con los intérpretes y me esforcé en establecer el mismo tipo de confianza que en mis dos películas anteriores. Es algo esencial, se ruede donde se ruede. A medida que avanzaba el rodaje, le preguntaba a mi colaborar más cercano, el director de fotografía Jakob Ihre, cosas como: “Es lo mismo de siempre, ¿verdad? No estamos haciendo nada diferente, ¿no?” El reto era el mismo, había que arriesgarse, aprovechar el momento y crear un ambiente de trabajo cómodo y seguro en el que los actores pudieran explorar y no sentir que debían dar en el clavo cada vez que abrían la boca.
Es la primera vez que trabaja con un reparto tan grande y tan prestigioso, ¿en algún momento se sintió intimidado?
Bueno, cualquier película puede llegar a intimidar en un momento dado. Los actores siempre fueron muy generosos. Y no, nunca me intimidaron. Todos se tomaron sus personajes muy en serio y aportaron algo personal a la historia. No se puede pedir más.
Háblenos de Gene, al que encarna Gabriel Byrne.
Gene es el retrato de un padre moderno. Con eso quiero decir que, comparado al patriarca clásico, es un hombre que se implica emocionalmente en el hogar. Prefirió abandonar su carrera de actor y dar clases para estar más cerca de sus dos hijos. Gene intenta mantener a su familia cohesionada, pero le cuesta conectar con su hijo Conrad, de 15 años, un apasionado de los videojuegos y de la vida online, algo que el padre no acaba de entender. Esto da pie a diversos momentos cómicos, como por ejemplo la escena en que Gene crea un avatar y se aventura en un videojuego con consecuencias totalmente imprevisibles. Gene es un personaje cálido, tierno. Su fuerza está basada en la facilidad con que lee a los demás, pero no sabe qué quiere para sí mismo, no sabe qué hacer con su vida. La mezcla de inteligencia y calidez de Gabriel Byrne fue muy importante para construir el personaje. Los dos hablamos y coincidimos en que estábamos cansados de los eternos retratos de padres que aparecen en tantas historias, del padre autoritario ante el que los hijos deben demostrar lo que son. Gene no es un padre típico emocionalmente, y Gabriel ha sabido aportar mucha veracidad y humor al personaje. Creo que era el actor idóneo para una historia como esta.
Háblenos de Jonah, interpretado por Jesse Eisenberg.
Jonah tiene tendencia al perfeccionismo y siente que nadie entendía a su madre como él. En muchos aspectos, su historia es la de un duelo a destiempo. Muestra la fachada de un joven y ambicioso académico, que acaba de ser padre, se derrumba cuando debe revaluar la imagen de su madre. Jesse Eisenberg es un actor tan preciso como divertido, y me alegro de que estuviera dispuesto a explorar personajes diferentes y a enseñar una vertiente más vulnerable. En la vida real, Jesse es muy inteligente y creativo, además de un dramaturgo genial, una faceta suya que mucha gente desconoce. Disfruté enormemente hablando de teatro con él.
Háblenos de Conrad, al que da vida Devin Druid.
Conrad es un tímido adolescente de 15 años y, al principio de la película, parece ser el que más ha sufrido por la pérdida de su madre, pero a medida que progresa la historia, acaba siendo el personaje más sorprendente. Me apetecía mostrar que el comportamiento social de una persona no siempre refleja su vida interior, e intenté encontrar una forma cinematográfica para explorarlo a través de su personaje, enseñando su vida emocional, su vertiente romántica, su forma de acercarse a las chicas y su necesidad de expresarse de modo inesperado. Mientras escribíamos EL AMOR ES MÁS FUERTE QUE LAS BOMBAS, pensaba que la mayor dificultad sería encontrar a la persona perfecta para interpretar a Conrad. Conocer a Devin Druid fue una absoluta victoria. Es un gran actor, no puedo añadir mucho más. Me enorgullece haber trabajado con él antes de que todo el mundo descubra su enorme talento.
¿Qué puede decirnos de Isabelle Reed, encarnada por Isabelle Huppert?.
Quería hablar de la familia y del precio de la ambición, del admirable trabajo de una periodista de guerra que se enfrenta a la tremenda necesidad de estar con su familia y de hacer su trabajo, un conflicto con el que mucha gente se sentirá reflejada, creo. Me inspiré en conocidos fotógrafos de guerra a los que había conocido o estudiado, pero no es una historia en torno a la profesión en sí. Es una historia acerca de la relación entre padres e hijos, y de las dificultades emocionales de una familia. Hace mucho que soy fan de Isabelle Huppert. La conocí personalmente hace unos años en el Festival de Cine de Estocolmo. Después seguimos en contacto y me entusiasmé cuando aceptó el papel de la madre. Su personaje no es el que más tiempo aparece en pantalla, pero su presencia siempre está allí a medida que avanza la historia. No imagino a otra actriz en el papel de un personaje tan fascinante y enigmático.
¿Y las fotos de Isabelle Reed?
Me documenté mucho sobre las fotos de guerra, pero vuelvo a decir que la película no gira solo en torno a eso. En OSLO, 31 DE AGOSTO, el protagonista había sido un adicto, pero la película trata de otros momentos de su vida. Aquí ocurre lo mismo, quería que todos los detalles de su vida como fotógrafa de guerra fueran correctos. Dos grandes agencias, Magnum y VII, nos prestaron una valiosa ayuda. Usamos fotos de varios profesionales, entre ellos la fotógrafa francesa Alexandra Boujart, a la que admiro mucho. Sus fotos dejan traspasar un gran humanismo y una sensibilidad que realmente la diferencian de los demás.
Parece que la película trata de los recuerdos individuales y colectivos de Isabelle. ¿Cuál fue la dinámica y qué tienen los recuerdos que tanto le fascinan?
Me fascinan y me desconciertan los recuerdos, la idea que tenemos de nosotros mismos y de nuestra identidad. En la película, intento mostrar cómo funciona el proceso del recuerdo. Quería evitar el típico drama en el que la madre muere y todos están en la habitación llorando. La historia empieza tres años después de la muerte de la madre y plasma el efecto dominó de su trágica muerte y de cómo afectó a los tres hombres mientras cada uno intenta seguir con su vida. Es interesante ver a la familia obligando a sus miembros a revaluarse constantemente. ¿Por qué los hermanos ven a sus padres de forma tan diferente? ¿Cómo puede encontrarse un lenguaje común y sentir a la vez la necesidad de alejarse? Los recuerdos son una mezcla de desesperación y de esperanza. Durante un periodo de dolor, la gente habla a menudo de una sensación estática del recuerdo. En la película, intento mostrar que una revaluación constante de nosotros mismos nos da la posibilidad de liberarnos de ese inmovilismo. En una escena, Conrad, el hermano más joven, recuerda haberse escondido para que su madre no le encontrara. Y mientras piensa en esto por primera vez en años, se da cuenta de que su madre también quería jugar, ya que fingió no saber dónde estaba escondido. Siempre cabe la posibilidad de tener otros puntos de vista dentro de nuestro sentido personal de la historia, por eso creo que EL AMOR ES MÁS FUERTE QUE LAS BOMBAS, a pesar de su melancolía, es una película optimista.
Gran parte de la película no se cuenta de forma cronológica, ¿por qué?
Actualmente, muchos dramas en torno a personajes han emigrado a la pequeña pantalla. Sigo creyendo profundamente en el espacio singular del cine. Un primer plano en una pantalla de cine es algo único. Es un acercamiento que ninguna otra forma artística ofrece. ¿Dónde puede verse una cara tan grande? Intento crear historias con perspectivas múltiples para obtener una percepción más profunda de la vida de los personajes. En una novela no tiene nada de sorprendente pasar de un tiempo a otro y meterse en la cabeza de los personajes. Me sorprende que se considere inhabitual en el cine. Cuanto mayor se hace la máquina que rodea al cineasta, este debe recordar constantemente que está para experimentar con la narración. Solo a través de una visión personal como narrador puede uno acercarse al espectador. No tiene nada que ver con el presupuesto ni el número de caravanas rodeando el plató.
Estudió ruso en el Instituto Nacional de Idiomas Orientales de París, y Arte Dramático en L’Ecole de la Rue Blanche y en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático.
Obtuvo su primer papel en la gran pantalla en ELLA, YO Y EL OTRO, de Claude Sautet, pero no se dio a conocer hasta que actuó en LOS ROMPEPELOTAS, de Bertrand Blier, en 1974. Ha trabajado en varias ocasiones con Claude Chabrol, en PROSTITUTA DE DíA, SEñORITA DE NOCHE (1978), ASUNTO DE MUJERES (1988), LA CEREMONIA (1995), NO VA MáS (1997), GRACIAS POR EL CHOCOLATE (2000) y BORRACHERA DE PODER (2006); con Bertrand Tavernier, EL JUEZ Y EL ASESINO (1976) y 1.280 ALMAS (1981); con Michael Haneke, LA PIANISTA (2001), LE TEMPS DU LOUP (2003 ) y AMOR (2012); y con Benoît Jacquot, LA ESCUELA DE LA CARNE (1998), PAS DE SCANDALE (1999) y VILLA AMALIA (2009). También son suyas LA ENCAJERA (1977), de Claude Goretta, por la que ganó el BAFTA a la Actriz Revelación; 8 MUJERES (2002), de François Ozon, UNA MUJER EN áFRICA (2009), de Claire Denis; MY LITTLE PRINCESS (2011), de Eva Ionesco; CAUTIVA (2012), de Brillante María Mendoza; LA VENGANZA DEL HOMBRE MUERTO (2013), de Niels Arden Oplev; LAS ENTREGAS DE LA DESAPARICIóN DE ELEANOR RIGBY (2013-2014), de Ned Benson; ASPHALTE (2015), de Samuel Benchetrit, y VALLEY OF LOVE (2015), de Guillaume Nicloux.
Nació en Dublín, Irlanda. Ha trabajado en más de sesenta películas, entre las que destacaremos MUERTE ENTRE LAS FLORES, de Ethan y Joel Coen; SOSPECHOSOS HABITUALES, de Bryan Singer; EXCALIBUR, de John Boorman; EL FINAL DE LA VIOLENCIA, de Wim Wenders; MUJERCITAS, de Gillian Armstrong; DEAD MAN, de Jim Jarmusch; EL HOMBRE DE LA MÁSCARA DE HIERRO, de Randall Wallace; LA FERIA DE LAS VANIDADES, de Mira Nair; EL PUENTE DE SAN LUIS REY, de Mary McGuckian; JINDABYNE, de Ray Lawrence; WAH-WAH, de Richard E. Grant; EL TIEMPO DE LOS AMANTES, de Jérôme Bonnell, con Emmanuelle Devos, y más recientemente, NADIE QUIERE LA NOCHE, de Isabel Coixet, y LOS 33, de Patricia Riggen, ambas con Juliette Binoche.
Encarnó al Dr. Paul Weston en la serie “En terapia”, de HBO, por la que fue galardonado con el Globo de Oro a la Mejor Interpretación Masculina en una Serie Dramática en 2010.
Por su interpretación en los escenarios de Broadway en “Moon for the Misbegotten” (Una luna para el bastardo), de Eugene O’Neill, fue nominado al Premio Tony al Mejor Actor, y por su papel en “A Touch of the Poet” (Tal día como hoy), también de O’Neill, ganó el Premio del Círculo de la Crítica Exterior.
Nació en 1983 en Queens, Nueva York. Además de actor, también es dramaturgo y acaba de trabajar en su nueva obra, “The Spoils”, para la compañía The New Group. También trabajó con Vanessa Redgrave en otra obra suya, “The Revisionist”, y en 2011 escribió y protagonizó “Asuncion” en el teatro Cherry Lane, por la que fue nominado a un Premio Drama League.
Obtuvo su primer papel en 1999 en la serie “Asuntos de familia”, que se canceló después de la primera temporada, e hizo su debut cinematográ co en COSA DE HOMBRES, de Dylan Kid, en 2002. Saltó a la fama con la película BIENVENIDOS A ZOMBIELAND, de Ruben Fleischer, y poco después protagonizó LA RED SOCIAL (2010), de David Fincher, por la que fue nominado al Oscar y al Globo de Oro al Mejor Actor.
Otras películas suyas son 30 MINUTOS O MENOS, de Ruben Fleischer; A ROMA CON AMOR, de Woody Allen; AHORA ME VES, de Louis Leterrier; AMERICAN ULTRA, de Nima Nourizadeh, y BATMAN V SUPERMAN: EL AMANECER DE LA JUSTICIA, de Zack Snyder.
Nació en Virginia, Estados Unidos. Empezó trabajando en espectáculos en el instituto y fue el líder de un grupo de rock. No tenía intención de ser actor hasta que un día acompañó a su hermano pequeño a una prueba. Desde entonces ha interpretado a personajes muy diversos, como Milo en el cortometraje “Disgrace”. Ha trabajado en varias series y miniseries, y EL AMOR ES MÁS FUERTE QUE LAS BOMBAS es su segundo largometraje. Pronto podremos verle en WILLIAM SHAKESPEARE’S MACBETH, de Angus Macfadyen. Acaba de rodar tres películas, SUGAR!, de Shari Berman; WIENER-DOG, de Todd Solondz, e IMPERIUM, de Daniel Ragussis.
Gene Reed
GABRIEL BYRNE
Jonah Reed
JESSE EISENBERG
Conrad Reed
DEVIN DRUID
Isabelle Reed
ISABELLE HUPPERT
Hannah Brennan
AMY RYAN
Richard Weissman
DAVID STRATHAIRN
Erin
RACHEL BROSNAHAN
Melanie
RUBY JERINS
Amy
MEGAN KETCH
Director
JOACHIM TRIER
Guion
ESKIL VOGT, JOACHIM TRIER
Productores
THOMAS ROBSAHM, JOSHUA ASTRACHAN, ALBERT BERGER & RON YERXA, MARC TURTLETAUB, ALEXANDRE MALLET-GUY
Productores ejecutivos
SIGVE ENDRESEN, FREDERICK W. GREEN
MICHAEL B. CLARK, EMILIE GEORGES, NICHOLAS SHUMAKER, NAIMA ABED, JOACHIM TRIER, ESKIL VOGT
Coproductores
BO EHRHARDT, MIKKEL JERSIN
Director de fotografía
JAKOB IHRE, FSF
Diseño de producción
MOLLY HUGHES
Montaje
OLIVIER BUGGE COUTTÉ
Diseño de vestuario
EMMA POTTER
Diseño de sonido
GISLE TVEITO
Música original
OLA FLØTTUM
Reparto
LAURA ROSENTHAL
Una reflexión apasionante
20 MINUTES
Una puesta en escena impecable
DIRECT MATIN
Una obra brillante y conmovedora en torno a la familia, la adolescencia y la ausencia
FEMME ACTUELLE
Habla del tema de la memoria con elegancia y fluidez
PARIS MATCH
Una interpretación de una sincronía incomparable
STUDIO CINÉ LIVE
Es, a la vez, dulce y explosiva, tierna y violenta, pero sobre todo, muy bella
SUD OUEST
Fascinante
INDIEWIRE
Magnífica
TELERAMA
Impecablemente sensible e inteligente
THE GLOBE & MAIL
Lírica e hipnótica
WIRED
Profusamente detallada, de gran sensibilidad interpretativa
SCREEN
Una obra maestra
SCENE CREEK
Unas interpretaciones de primera
INDIEWIRE
